Полезные советы, приёмы и вся правда о том, как эти штуки работают.

5. Основы композиции

Теперь, когда вы познакомились к перспективой с одной, двумя и тремя точками схода, пора научиться эффективно использовать то, что вы уже знаете. Какой прок в знании перспективы, если вы не знаете, что делает рисунок действительно выдающимся?

Знание того, как правильно скомпоновать сцену – важнейший навык, которым должен обладать каждый иллюстратор.

Прежде всего:

Любая композиция начинается с определения формата. Вы не можете построить композицию, сперва не определившись с размером, высотой и шириной вашего рисунка. В анимации и кино есть предопределенные размеры для композиции, известные как формат кадра. Вот список некоторых основных форматов, используемых в современном телевидении:

Формат кадра – это не предопределенный размер в пикселях. Это просто способ обеспечить определенный уровень стандартизации кадров. Популярное сегодня разрешение 16:9 — это 1920х1080 пикселей для телевидения с высокой чёткостью. Если вы выбираете для рисунка формат 16:9, это совсем не означает, что вы должны использовать то же самое разрешение в пикселях. Всё, что вам нужно – это соблюдать соотношение 16:9. Таким образом, вы можете рисовать рисунок, скажем, 7200х4050 пикселей. Несмотря на то, что он получится гораздо больше, соотношение 16:9 все ещё сохранится.

 

Использование стандартных форматов совсем не требуется, если вы создаёте иллюстрации для печати, а не работы для телепередач или кинофильмов. Однако о них важно знать, и с них всегда удобно начинать.

С этого момента и далее в части 2 этого урока я буду использовать соотношение 3:2 для примеров рисунков.

Поиск сильной композиции:

Помните три примера из первой главы первой части урока, которые показывали линию горизонта на разной высоте внутри картинной плоскости? Это композиция.

Мы можем найти и сравнить разные возможные варианты композиции для сцены, просто используя линии. В отличие от первой главы, эти линии не будут представлять линию горизонта. Вместо этого они будут представлять возможные композиционные элементы внутри сцены. Такие элементы, как фокусный центр и предполагаемые объекты. Давайте посмотрим на некоторые примеры разнообразных возможностей композиции:

Взгляните на эти три примера, взятые из главы 1. Если бы линия горизонта было областью, где сосредоточено наибольшее количество деталей и фокус в картине, первая и третья композиции работали бы лучше, чем вторая, из-за их асимметрии. Во втором примере картинная плоскость поделена ровно пополам. Верхняя часть равна нижней, поэтому её менее интересно рассматривать.

Теперь посмотрите на эти три примера. Две вертикальные линии в первом примере разделяют картину на три равных прямоугольника. Если бы вам предстояло нарисовать картину, вращающуюся вокруг этого композиционного принципа, в конце концов, у вас бы получилось нечто очень слабое. Сравните первую и вторую композицию. Мы приблизились к созданию более интересной работы, сдвинув две линии и таким образом сократив средний прямоугольник. Теперь здесь есть неравная секция, из которой получится отличный фокусный центр. Этот приём сработает хорошо в картине, где требуется намеренная симметрия. Однако для чего-то немного более динамичного взгляните на третью композицию. Сдвинув линии в сторону, мы изменяем изображение так, что все три прямоугольника становятся разного размера. Узкий прямоугольник в середине так и требует вашего внимания, в то время как большой квадрат, кажется, должен содержать нечто, что будет дополнять средний прямоугольник или противоречить ему для равновесия. Например, два прямоугольника слева могут быть наполнены деталями в качестве фокусного центра, а большой квадрат справа может содержать нечто большое и менее важное для контраста.

Суть хорошей композиции в том, что она привлекает взгляд. Когда вы создаете композицию, одинаковую в любой части пространства, в ней нет доминирующего фокусного центра, и картина выглядит очень непривлекательно. Когда вы смотрите на пример вверху, всё в нём одинаково со всех сторон. В нём нет ничего динамичного и привлекательного, что могло бы вас захватить. Чтобы заставить такую композицию работать, требуется особая причина и отличное исполнение. На примере справа элементы движутся в разные стороны, и ваш глаз цепляется за особую зону, где пересекается большинство линий. Эта область вашей композиции и будет фокусным центром, областью наивысшего интереса.

Вот три примера прошлых композиционных набросков некоторых рисунков, что я сделал. Мне нравится добавлять глубины в свои композиционные наброски, поэтому я позволяю одним линиям пересекать другие или менять направление, когда они сталкиваются с другими линиями. В первом рисунке я использую много негативного пространства, окружающего детализированный центр, где сидит человек. Во втором рисунке я использую ряд вертикальных и горизонтальных линий для участков, которые подразумеваются более детализированными, чем более другие. Я также использую непрерывные закрашенные секции, чтобы намекнуть на некоторую глубину или выразительность. В третьем рисунке я использую набросок больше в качестве руководства для нахождения перспективы сцены и определения фокусного центра.

Вот ещё несколько примеров композиции просто с использованием вертикальных, горизонтальных и диагональных линий.

Теории композиционного проектирования:

Теории композиционного проектирования – это идеи по компоновке и техническому подходу к вашему рисунку. Это вещи, которые следует тщательно обдумать. Эти теории могут помочь вам в создании руководства, которое поможет вам получить в итоге сильный и выразительный рисунок.

Вам следует принять во внимание следующее:

Яркость:

Яркость – это тональная структура вашей картины. Яркость можно рассматривать как свет и тень, нежели цвет чего-либо. В картине, содержащей полную гамму яркости, тона постепенно переходят от белого к чёрному. Яркость – это один из сильнейших элементов, который поможет вам привлечь внимание зрителя к определённым деталям вашей картины в зависимости от того, как вы распределите свет и тень.

Контраст:

В то время как яркость относится к тону или к ряду тонов, контраст – это то, как эти тона используются. Контраст – это прямое соотношение одного тона к другому. Области высокого контраста имеют наибольшие различия в тонах, от яркого к тёмному с небольшими переходами. Области низкого контраста имеют меньшие изменения яркости от тона к тону. Ночная сцена без источников света – это изображение с низким контрастом, потому что объекты переходят только от тёмного к чуть более светлому.

Контраст отлично захватывает внимание. Взгляд привлекают области высокого контраста. Обычно области наивысшего контраста должны быть самыми важными в картине, в то время как области с низким контрастом отступают на второй план.

Цвет:

Вслед за яркостью и контрастностью идет цвет. Требуется навык, чтобы правильно использовать цвет в композиции, поскольку здесь нужны знания в теории цвета, что может само по себе занять целый урок. Даже прекрасный рисунок с хорошим распределением света и тени можно полностью испортить неудачным выбором цвета. Некоторые цвета привлекают больше внимания, чем другие, и расположение этих цветов может сильно повлиять на фокусный центр вашей картины.

 

Эти цвета интересно контрастируют между собой. Голубой отступает на второй план, в то время как красный цвет выходит вперёд. Когда вы смотрите на пример, красная полоса кажется ближе к вам, чем голубой фон. Поэтому вы должны приберечь красный цвет для чего-то, что к чему вы действительно хотите привлечь внимание.

 

Привлечь внимание можно и введением цвета, который нигде больше не встречается. Представьте картину в жёлтых оттенках, и вдруг нечто такого яркого пурпурного цвета. Держу пари, ваш взгляд немедленно упадёт на этот предмет. Этот приём лучше всего работает с цветами, комплементарными к остальной сцене.

Баланс:

Баланс – это распределение. Это может быть распределение чего угодно, от яркости и контрастности тонов, цвета до объектов внутри сцены. Баланс может быть как симметрией, так и асимметрией. Например, если левая часть вашей картины занята множеством деталей, вы можете уравновесить её, упростив правую часть. Вы можете нарисовать нечто очень светлое по краям картины и нечто тёмное в центре. Вы можете нарисовать большой объект с низкой контрастностью и меньший объект с высокой контрастностью на расстоянии, чтобы придать ему не меньшую важность, чем большому объекту. Это будет уравновешивать вашу картину.

 

В этом примере множество деталей и яркость правой стороны изображения уравновешены относительно пустой и тёмной областью слева. Этот баланс удерживает ваш взгляд на взаимодействии персонажей вместо слишком длительного блуждания по области, которая ничего не значит. Если бы левая сторона была бы такой же загруженной, как и правая, значимость правой стороны была бы потеряна. Спросите себя, как в этом примере использован цвет, чтобы привлечь еще больше вашего внимания? А что насчет контраста? Как здесь использован он?

Ритм, повторение и плотность:

Иногда в картине один элемент может повторяться множество раз, чтобы разбить пространство композиции и провести взгляд зрителя более интересным способом. Ритм вашей картины – это то, как быстро взгляд путешествует по сцене. Если в сцене присутствуют области с редкими и разбросанными деталями или их отсутствием, взгляд скользит по ним без задержки. Этот эффект может быть желателен. Также вы можете разместить объекты более плотно по линии движения взгляда, и зритель остановится на них, чтобы лучше их изучить прежде, чем двинуться дальше. Пронаблюдайте, как это работает:

 

Проследите взглядом по этой линии. Взгляд скользнул по ней довольно быстро, правда? На линии между двумя точками нет препятствий, поэтому ваш взгляд двигается вдоль неё до другого конца без задержки.

 

Проследите взглядом по этой линии. Ваш взгляд все так же не задержался, не так ли? Хотя на линии и есть дополнительные точки, которые мешают вашему взгляду, вы бегло просматриваете их, потому что они находятся на равном расстоянии друг от друга. Этот эффект может быть полезным и желательным.

 

Проследите взглядом по этой линии. Ваш взгляд поймала плотная группа точек, не так ли? Для вашего глаза она визуально отличается настолько, чтобы остановиться и изучить расположение точек относительно друг друга. Подобная группировка объектов поможет вам замедлить взгляд зрителя.

 

Проследите взглядом по этой линии. Держу пари, на секунду вы остановились на вон той большой чёрной точке ближе к концу. После ваш взгляд снова вернулся к ней, так? Эта точка – нечто вроде фокусного центра, не так ли?

Интересно, как работает ваш мозг, а?

Масштаб

Масштаб может быстро повлиять на впечатление от сцены. Масштаб – это конечно изменение размеров объектов или физически, или оптически, чтобы показать соотношение размеров одного к другому. Физические изменения масштаба относятся к рисованию чего-либо в действительном размере. Представьте Годзиллу, разрушающего Токио, или человека, стоящего в чаще огромного леса. Годзилла огромен по сравнению со зданиями, он физически огромен. В лесу деревья возвышаются над человеком. В картине вы захотите показать, что эти деревья гораздо выше, чем он сам. Оптические изменения масштаба относятся к особому размещению камеры для того, чтобы показать соотношения размеров двух объектов. Рассмотрите следующий пример художника Уильяма Гиббонса (ID на Deviantart: ashwara).

 

В этом примере у нас создается впечатление, что существо, держащее девушку в руке, невообразимо огромного размера. Во-первых, нам кажется, что оно огромно, благодаря соотношению размеров девушки и его руки. Во-вторых, мы получаем ещё больший обзор его размера благодаря размещению камеры. Камера находится позади девушки и направлена вверх, таким образом, помещая девушку ближе к композиционно интересной части тела существа (его голове). У нас всё же создается впечатление, что под картиной существует ещё и целая нижняя часть этого существа, которую мы не видим, вдобавок к огромной разнице в размере, которая уже присутствует на картине.

Представьте эту же самую сцену с другого ракурса, например, сбоку и с дальнего расстояния или сверху вниз. Другие ракурсы, возможно, и сработали бы в этом рисунке, но конечный результат, скорее всего, не выглядел бы так привлекательно и динамично, как данный.

Следует думать о ракурсе камеры как о средстве рассказать историю. Если персонаж стоит перед огромным существом, камера должна размещаться позади персонажа и давать обзор существа. Если вы поместите камеру сбоку существа, смотрящего вниз на персонажа, восприятие может измениться, и главным персонажем картины станет существо, а не человек.

 

В этом примере, что я нарисовал, мы наблюдаем динамику благодаря большому действию, противопоставленному маленькому источнику или причине.

Маленький человек вызывает большой взрыв. Мы знаем, что это сделал именно он благодаря языку его тела. Его поза предполагает, что он либо вызвал его, либо наслаждается взрывом воды.

Масштабом можно пользоваться разными способами. Играйте с ним!

Позиция, иерархия:

Позиция создает взаимоотношения. Вы можете сделать преобладающими некоторые предметы в сцене, основываясь на их расположении относительно других. Например, помещение одного персонажа выше в композиции по сравнению с другим персонажем, находящимся ниже, автоматически придает первому больше влияния. Этот персонаж будет обладать превосходством, так сказать. Использованное эффективно, расположение объектов может помочь привлечь внимание. Если вы поместите нечто вертикальное среди объектов, расположенных горизонтально, вертикальный объект разобьёт последовательность горизонтальных и немедленно будет выделяться. Этот метод наиболее типичен тогда, когда персонаж в сцене – единственный, кто пересекает линию горизонта. Этот персонаж немедленно выступает вперёд как наиболее важный. Один из классических американских иллюстраторов, Ньюэлл Конверс Уайет, понимавший важность позиции больше многих других, может дать нам прекрасный пример:

 

 

Как мы видим, в картине «Ещё один шаг» Уайет уделил очень пристальное внимание расположению двух мужчин в этой сцене.

Заметьте, как линия горизонта разделила пространство между ними. Мужчина в чёрном полностью над линией горизонта и, кажется, имеет преимущество. Мачта, на которой он сидит, разбивает линию горизонта и приводит ваш взгляд прямо к нему. Верёвочные снасти тянутся от него и приводят вас прямо к мужчине в белом внизу.

Эта картина также демонстрирует особое внимание к цвету, контрасту и балансу. Мужчина в чёрном более контрастен, так как он чёрного цвета на фоне светлого неба. Это привлекает ваш взгляд к нему. Однако мужчина в чёрном уравновешен мужчиной в белом с ярко-красным кушаком. Это привлекает ваше внимание к нему, и ощущение, что эти два мужчины – враги, только усиливается.

Правило третей

Правило третей преимущественно используется в фотографии, однако также распространяется и на иллюстрацию и телепостановки. Эта техника быстро найдёт лучшее расположение для фокусного центра вашей картины. Она очень похожа на примеры построения композиции в главе 5 в начале этого урока. Правило третей – простое руководство, которое вы всегда должны держать в уме, начиная любую новую композицию.

 

По правилу третей изображение делится на 9 прямоугольников равного размера, каждый из которых имеет такое же соотношение сторон, как и целое изображение. Каждая линия отделяет ровно 1/3 размера целого изображения. Это означает, что с каким форматом вы бы ни работали, к нему всегда можно применить правило третей.

По правилу третей линии – лучшие области для разделения пространства, а места пересечения линий – лучшее местоположение для фокусного центра и главных частей вашей картины. Примените правило третей на любую профессиональную фотографию или иллюстрацию, и скорее всего вы увидите, что изображение почти совпадает с сеткой.

 

Посмотрите, как в этом кадре из комикса, который я нарисовал, пространство разделено с применением правила третей. Персонаж точно совпадает с первой линией и является фокусным центром. Также вы можете заметить три главных изменения в сцене внутри трёх вертикальных полос. Первая полоса содержит тёмную стену. Средняя полоса содержит область с множеством деталей и высоким контрастом и линии, удаляющиеся к девушке. Третья полоса содержит открытое пространство с низким контрастом для баланса и создания окружения. Таким образом, рисунок совпадает с сеткой, и это неслучайно.

Фокусный центр:

Яркость, контрастность, цвет, баланс, плотность, масштаб, позиция и правило третей. Теперь, когда у вас есть понимание этих вещей, вы можете применить их для того, чтобы выделить фокусный центр вашей картины. Фокусный центр должен быть самой важной частью картины и быть подчеркнут настолько, чтобы зритель не смог не заметить его.

 

В примере, что я нарисовал, фокусный центр – красный шарик, который несет персонаж на мосту. Почему именно он – фокусный центр?

Во-первых, перспектива сцены удаляется ТОЧНО к шарику. Шарик помещён точно внутри самой светлой части всего изображения. Цвета достаточно, чтобы вы обратили на него внимание. Наконец, он совпадает с правилом третей.

Спросите себя, как здесь использован баланс и ритм, чтобы помочь взгляду двигаться по изображению?

Возможно нарисовать картину с непреднамеренным или множеством фокусных центров, или вовсе без фокусного центра. Каждый видит вещи по-разному, и ваше восприятие картины может быть лучше или хуже по сравнению с другим человеком. Самое главное – вы должны рисовать картину такой, какой она, по вашему мнению, будет выглядеть лучше.

6. О чём следует задуматься

Создание содержательной композиции:

Когда вы разрабатываете композицию для сцены, фона, да чего угодно, у вас должны быть причины расположить объекты именно так, а не иначе. Иногда действительно важно тщательно спланировать рисунок. Это может превратить «так себе» рисунок в «это крутейшая вещь, что я когда-либо видел».

Когда вам на ум приходит идея особенного рисунка, потратьте немного времени на мозговой штурм. Немедленно бросаясь рисовать, вы лишь стремитесь поскорее закончить рисунок – вместо того, чтобы пытаться действительно творить. Без критичного обдумывания того, что же должно содержаться в сцене или как должны быть скомпонованы объекты, деталей, которые «сделают» картину, замысел, скорее всего, будет потерян. Точно подобранные детали добавят правдоподобности в рисунок.

Рассмотрите процесс создания рисунка аллеи на глухой окраине города:

Вещи/Объекты (Что?)

Мне пришлось поразмыслить, что же должно присутствовать на этой сцене. Поэтому я составил список ключевых вещей, которые я хочу включить в рисунок.

Человек

Трубы

Трубопровод

Грязь/отбросы

Воздушные кондиционеры

Решетки

Вентиляторы

Стены

Провода/электропроводка

Ворота охраны

Двери без окон

Пожарные лестницы

Растения

Мусор

Велосипед

Знаки

Чувства/эмоции (Какой?)

Затем я задумался над тем, как должна ощущаться эта сцена. Это поможет мне определиться с освещением и яркостью и контрастностью.

Одинокий/отдаленный

Тёплый

Влажный/сырой

Ощущение безопасности

Неопрятный

День/яркий свет

Низкий достаток

Обыденный, скромный

Узкий

Почему-то оптимистичный

Теория (Почему?)

Теперь я могу подумать над теорией композиции и какую роль сыграет каждый её элемент:

Перспектива с одной точкой схода: Рисунок будет выглядеть лучше всего в перспективе с одной точкой схода, привлекающей внимание зрителя вглубь аллеи к фокусному центру.

Ритм и плотность: Этому рисунку необходимо множество деталей и объектов, наваленных или наложенных друг на друга. Это поможет придать ощущение неопрятности и обыденной небогатой жизни.

Цвет: Насыщенные цвета будут играть ключевую роль в придании рисунку оптимистической нотки.

Яркость и контрастность: Яркие солнечные лучи, пробивающиеся на аллею, будут резко контрастировать с густыми тенями. Высокий контраст солнечного света создаст ощущение безопасности, менее подозрительно затененной и оттого опасной. Некоторые тёмные тени, которые должны быть светлее, будут подразумевать грязь, мусор и запущенность.

Фокусный центр: Перспектива сцены устроена таким образом, что линии сцены указывают на девушку, стоящую на аллее. Девушка стоит в тени перед ярко освещенной стеной, благодаря чему она оказывается в области высокого контраста и ярких цветов. Это и делает её фокусным центром.

Баланс: По сторонам аллеи находятся стены с одинаково плотной детализацией. Да, они будут контрастировать по интенсивности освещения и оттенку цветов (зелёный и желтый против пурпурного и синего).

Благодаря подобному планированию ваш конечный результат будет выглядеть сильнее. Чем больше вы будете обдумывать создание рисунка таким образом, тем меньше на деле вам действительно придется это делать, так как больше идей будет сразу приходить вам в голову. Подобно тому, как мастер перспективы может безупречно прикидывать её на глаз, композиция – это нечто, что мастер может использовать чисто интуитивно. Композиция – это то, что в чём вам придется практиковаться наряду с другими аспектами рисования. Чем больше вы ей занимаетесь, тем лучше её осваиваете.

Даже в этом случае, вот несколько ошибок, которых вам следует опасаться, компонуя сцену…

Касательные вам не друзья:

Слышали раньше о касательных в рисовании?

Касательная – это тот случай, когда один объект находится так близко к соседнему, что их линии сливаются и путаются. Касательные заставляют два отдельных объекта выглядеть как один. Касательные разрушают ощущение глубины в рисунке. Касательные привлекают к себе много ненужного внимания.

 

Видите эту ужасную касательную в примере, что я нарисовал?

Два ребра этих объектов соприкасаются, из-за чего кажется, что они одной высоты. Хотя объект слева и ниже и отодвинут назад по сравнению с объектом справа, они выглядят прикреплёнными друг к другу. Этот недостаток можно легко исправить, лишь изменив высоту одного и объектов или сдвинув угол камеры так, чтобы линии не касались друг друга ненужным образом.

 

Вот так, видите?

Слегка изменив правый объект, я избавился от касательных и восстановил соотношение размера и положения двух объектов. Объект справа теперь кажется заметно выше и отстоит от объекта слева.

 

Касательные встречаются и тогда, когда грани объектов находятся слишком близко к краям рисунка. Вы ведь хотите, чтобы элементы вашего рисунка были хорошо очерчены.

 

Плохо! Посмотрите, как углы рисунка соприкасаются с краем картины! Не давайте подобному случиться.

 

Лучше. Просто добавив в рисунок немного свободного места, я устранил касательные, и теперь наш рисунок гораздо лучше оформлен.

 

Ваша лучшая защита против касательных – постоянный их поиск и избегание или устранение, если они уже получились.

Помните, только вы можете предотвратить соприкосновение линий!

Убейте своих любимчиков:

«Убейте своих любимчиков» — фраза, придуманная иллюстратором Яном МакКейгом.

Представьте, на картине вы нарисовали что-то, что выглядит вполне неплохо. Вам нравится, как это выглядит, и вам хочется это оставить. Однако, всякий раз, когда вы делаете шаг назад и окидываете взглядом картину целиком, та самая часть, которая вам так нравится, не сочетается со всем остальным. Что-то не так. Вы можете или оставить эту часть и просто сказать, вот самое лучшее, что вы «смогли» сделать, или вы можете стереть её и попробовать снова. Если вы действительно хотите нарисовать лучшую картину, на которую только способны, вы возьмёте ластик и избавитесь от этой части, неважно, как сильно она вам бы ни нравилась. Отсюда и фраза «убить своих любимчиков». Всё к лучшему.

Когда дело доходит до создания самой лучшей работы, на которую вы только способны, вы не можете позволить себе лениться. Никогда не следует оставлять что-то, что губит вашу картину, просто потому, что вам неохота это перерисовывать. Вы будете всего лишь выдавать одну посредственную работу за другой. Вместо того, если вам действительно не хочется перерисовывать часть, которую нужно исправить, самое лучшее, что можно сделать – это стереть её и отвлечься на некоторое время. Возвращайтесь через несколько часов, завтра или через несколько дней. Когда вы вновь взглянете на картину, часть, которую надо исправить, будет пустой, а вы со свежими силами усядетесь за новую попытку.

Если вас не поджимает дедлайн через несколько часов, не торопите работу просто потому, что можете. Иногда вы хотите поскорее закончить, и если вы делаете это намеренно, это хорошо. Но если вам хочется создать высококлассную работу для себя или собственного проекта, не торопитесь и работайте в своём ритме. Попросите отзывов у друзей. Исправляйте то, что нужно исправить, и не упрямьтесь только потому, что как вам кажется, эта часть смотрелась хорошо.

Разделите композицию на планы:

Обычно на картине присутствует передний план, средний план и задний план. Не во всякой картине будет передний и задний планы, но каждой картине требуется средний план.

 

В сцене, что я нарисовал, ярко выражены передний, средний и задний планы.

Средний план обычно стоит приберечь для основного места действия в вашей работе – здесь будет главный герой или ключевой объект. Однако, не путайте средний план и фокусный центр. Фокусный центр может находиться где угодно на картине, не только на среднем плане. В примере выше, заметьте, как очевиден средний план благодаря интерьеру вагона поезда. Всё за стеной становится задним планом.

Обычно задний план содержит окружение – детали местности, где находятся ваши главные персонажи или предметы. Задний план раскрывает зрителю таинственную реальность вашей работы. Использование глубины пространства вашей сцены очень полезно для создания динамичной сцены. В динамичных композициях, как правило, присутствуют предметы, которые, кажется, как бы движутся с заднего на средний и передний планы.

Передний план сцены обычно содержит дополнительные детали, которые помогают зрителю погрузиться в картину. Обычно детали на переднем плане не так важны, как на среднем, но композиция может стать гораздо сильнее, если элементы переднего плана приняты во внимание. Если мы взглянем на пример выше, поручень и перегородка ближе к нам помогают представить размер вагона. Если мы уберем передний план…

 

Это ранняя незаконченная версия рисунка до добавления переднего плана.

…наше местоположение внутри вагона сильно изменилось. Пропало впечатление, что мы стоим у противоположной стены вагона, глядя на выходящую девушку. Теперь кажется, что мы стоим в центре широкой комнаты, а не в вагоне поезда.

Передний план может сыграть ещё одну интересную роль, разделяя вас, зрителя и действие/предмет сцены. Передний план может создать препятствия на пути зрителя или даже предоставить ему укрытие, тем самым создавая иллюзию подглядывания. И наоборот, картина без переднего плана или подобных препятствий как бы приглашает зрителя заглянуть в мир, изображенный на ней.

 

В примере выше передний план не преграждает нам путь в сцену. Однако, у нас создается впечатление, будто нам не стоит врываться в неё в ритме вальса. Элементы переднего плана расположены так, что ограждают пространство, как будто это чья-то частная собственность. Если бы на переднем плане не было столба, растений и стены, пространство выглядело бы более открытым, публичным и доступным для нас.

Какие планы выбрать для композиции, решать вам. Вы можете создавать громадные картины с глубоким задним планом, эпичным средним и передним планом, упирающимся прямо в камеру. Также вы можете создавать композиции, от которых будет исходить ощущение клаустрофобии, с деталями, скученными только на переднем плане. Вам решать, какой подход выбрать. Только серьёзно всё обдумайте – особенно если вас не покидает ощущение, что «чего-то не хватает…»

Наклонные углы:

Наклонные углы – это техника в композиции, использующаяся для придания сцене ощущения неустойчивости или «неправильности». Камера наклонена так, что линия горизонта не параллельна нижнему краю картины. От этого зрителя не покидает ощущение неустойчивости и ненадёжности.

 

Взгляните на мой рисунок футуристического ломбарда. Я использовал наклонный угол, чтобы придать ему ощущение неустойчивости или некой опасности. Если бы я не использовал наклонный угол, осталось бы впечатление от рисунка тем же самым, что и сейчас?

Вероятнее всего нет.

Тем не менее, наклонные углы не всегда придают ощущение ненадёжности. В зависимости от темы картины, наклон камеры может придать сцене большую динамичность и привлекательность, особенно в сценах, подразумевающих множество действия или скорость. Однако я рекомендую использовать наклонные углы только когда это необходимо. Этот приём может быстро примелькаться, если будет часто встречаться в вашей галерее.

Заключение:

Вот и подошла к концу вторая часть этого урока. Теперь вы знаете все необходимое для того, чтобы создавать композиционно сильные картины. Надеюсь, этот урок бы вам полезен, и спасибо за прочтение части 2!