Задача художника благополучно погрузить своих зрителей в созданный им мир. Художники имеют много общего с рассказчиками. Как и у повествователей, у них есть приёмы, которые используются, чтобы заинтересовать зрителей. В этой статье, мы представим 5 основных навыков, которые каждый художник должен совершенствовать. Приступим!
1. Композиция
Самым важным аспектом в искусстве, по моему мнению, является композиция. Это фундамент для всего последующего. Это ваш способ направить и вести зрителя, чтобы он чувствовал, что он действительно принимает участие в вашей картине. Если эта часть процесса упущена или не контролируется, то всё остальное, наверняка, не сложится и развалится. Но это не значит, чтобы вы должны придерживаться каждого маленького правила при создании композиции. На самом деле, многие пошли против системы и получили, как результат, весьма успешные произведения искусства. Нужно просто знать, в какой момент идти не по правилам, чтобы это вышло действительно удачно. Но прежде чем пытаться делать что-нибудь подобное, нужно ознакомиться с правилами и понять, как они работают.
Правило Третей (Rule of Thirds)
Это самый простой и наиболее используемый метод, который я и сам применяю. Так как этот приём прост в изучении, рекомендуется для всех начинающих и тех, кто плохо знаком с основами композиции. Суть приёма делить картину на 9 равных частей, разделяя двумя горизонтальными и двумя вертикальными линиями.
Основной идеей этого приёма является размещение самого важного элемента/объекта вашего рисунка на одном из пересечений горизонтальной и вертикальной линий (показано +’ом на изображениях ниже).
Считается, что когда ваш объект находится на одном из этих пересечений, то создаёт больший интерес к картине, нежели если бы он был расположен где-то в центре.
«Пирс» Джон Пауэл
«Живые останки» Кейсуке Асаба
«Путь мага»
Портрет (Iconic)
Это правило полная противоположность тому, что было сказано выше. Сейчас, цель — сфокусировать главное именно в центре картины. В основном этот приём используется при создании персонажей, но это не значит, что его нельзя применять и в других целях.
Для художников, которые создают персонажей, одной из задач является как раз таки расположить героя прямо перед вами и привлечь к нему внимание, насколько это только возможно. Не существует более эффективного способа, нежели поместить его по центру. Именно поэтому такая композиция больше всего подходит для создания персонажей (но опять же, никто не запрещает вам экспериментировать).
В дополнение о центральном фокусе могу сказать, что ромбовидное деление листа (показано ниже), помогает нам правильно размещать то, на что будет обращаться большая часть внимания. Конечно, зритель не увидит вашу работу в расчерченном варианте с направляющими диагоналями, поэтому вы должны выделить наиважнейшие части рисунка освещением, цветом, деталями и т.д. Всё что находится за пределом начерченного «алмаза», не должно привлекать внимания настолько, насколько должно привлекать содержимое внутри него. Этот приём можно использовать как для создания одной композиции, так и для определённой части рисунка. Выбор за вами, но мой совет, изучить этот способ подробно, прежде чем применять его на более сложных композициях. Кроме этого, есть другие композиционные правила и примеры, которые я не упомянул здесь. Я рекомендую вам поискать и ознакомиться с ними тоже.
«PI-2» Марик Окон (слева) ; «Чужая кровь» Дан Сантос (по центру); «Примите меня» Марк Симонетти (справа).
Направление взгляда (Leading the Eye)
Теперь давайте рассмотрим несколько примеров, как направить взор зрителя на координационный центр.
На рисунке «PI-2» можно увидеть, как свет притягивает наш взгляд своей силой и интенсивностью. Другими факторами являются цвет, композиционное расположение («Правило третей») и то, что почти взгляд всех персонажей на этой сцене так же сфокусированы на центральную точку. Однако, что нас задерживает на локальном, центральном фокусе – это «хоровод» людей, парящих в воздухе.
«PI-2» Пётр Яблонский
На рисунке «Crysis 2», художник использовал свет, цвет и расположение, чтобы выделить центральный фокус. Наиболее красивые и выразительные огни идут от прожекторов и фар транспорта, которые ведут нас к центральной точке. Во-вторых, сверкающие выстрелы из оружия, которые так же сходятся именно на центре композиции. Художник использовал «Правило третей» для размещения этой композиции. Все эти моменты привели к созданию великолепного рисунка с чётко выраженным центром композиции и областями вокруг него.
«Crysis 2» Концепт 04, Марик Окон
На изображении ниже, художник использует «проходы», которые образовываются вокруг парящей в воздухе башни, ведущие зрителя в центр композиции. Летая вокруг неё, драконы задерживают наше внимание и заставляют побыть в этой области подольше. Поскольку башня находится в тени, а яркий свет исходит прямо за ней, автор использует контраст, чтобы она выделялась ещё больше.
«Гнездо» Томас Копри
В приведённом ниже рисунке, я использовал ряд вспомогательных элементов, чтобы направить зрителя прямо на композиционный центр (замок). Огромная арка на заднем плане слева и водопад справа, направляют нас непосредственно к самому замку. Поскольку вся композиция находится под небольшим углом, то горы здесь так же указывают нам путь к центру. Ещё один штрих, который выделяет замок центром композиции – это цвет на куполах, который является контрастным для жёлтых, зелёных и красных тонов на заднем плане.
«Гора чародеев»
На рисунке ниже, я показал, как задержать внимание зрителя, не смотря на то, что применялось кадрирование. Это можно заметить невооружённым глазом. Я добавил шлейфы (наподобие следы дыма от самолёта), которые плывут от красного объекта, тем самым создавая рамки для всей композиции. Этот приём можно использовать, чтобы «запереть» зрителя в том или ином фрагменте и удержать его в нём подольше. Только не перестарайтесь с этой техникой, применяйте разумно. Единственный минус, это то, что кадрирование может быть сделано неудачно.
«Уничтожение»
2. Перспектива
Всё имеет свою перспективу, ракурс. Будучи на улице, осмотритесь вокруг. Какую сторону зданий вы видите сейчас? Подумайте, почему их можно видеть по-разному? Затем, посмотрите вдоль улицы: почему объекты уменьшаются с расстоянием? Всё зависит от перспективы и угла вашего зрения.
Перспективу необходимо изучать для того чтобы понять архитектурные моменты, правильно отобразить окружающую среду и т.д. Перспектива позволяет нам создавать объекты и элементы, а так же правильно размещать их на рисунке. Она полагается на линию горизонта (линию взгляда), что бы найти точку схода. Эта точка находится там, где линии перспектив будут сходиться.
Одноточечная перспектива
Наипростейшая для изучения среди остальных, но не сильно широко применяемая из-за её ограничений. Однако ее использование может быть очень полезно в зависимости от вида, который вы создаёте. В этой перспективе будет одна точка схода, и она лежит на линии горизонта, куда и отдаляется объект.
Двухточечная перспектива
Когда больше одной стороны вашего объекта отдаляется в разные локации, вам нужно использовать систему двухточечной перспективы. Создайте две точки схода, по одной с каждой стороны объекта/элемента. Эти точки снова начинаются на линии горизонта и пройдут весь путь к объекту. Теперь вы действительно начнёте чувствовать перспективу. В большинстве случаев, ваша точка схода будет далеко позади вашего рисунка и одного листа вам может не хватить. Поэтому всегда можете использовать дополнительные листы бумаги, чтобы отмерить точную дистанцию, а затем убрать их. Если будете работать в цифровом виде, то расширяйте рисунок, пока не найдёте эту точку.
Трёхточечная перспектива
Используйте, когда хотите показать действительно предельно экстремальное расположение объекта. Чтобы достичь этой перспективы, необходимо использовать точно такую же систему как и в двухточечной, но добавив ещё одну, третью точку схода, которая будет находится над или под объектом. Третья точка действует точно так же как и другие две. Здесь нет никакого подвоха. Единственное отличие, это то, что верхняя или нижняя (по вертикали) сторона вашего объекта, будет приближаться или удаляться от третьей точки.
Рассмотрим наглядные примеры ниже:
«Миллионеры» Джейкоб Эйрих
«Груз» Мишель Морхаузер
«Ироши» Джон Де Ро
«Пробуждение духа» Гари Тонг
3. Градация
Градацией цвета называется набор различных оттенков или, как иногда говорят, ступеней того или иного цвета, выстроенных в определенном порядке — от более светлых оттенков к тёмным или наоборот. Часто под градацией понимают переход от одних цветов спектра к другим. Чем ближе объект, находящийся на первом плане, тем насыщеннее будет его цвет (учитывая свет и тень, конечно). Всё, что отдаляется от первого плана — становится блеклым и светлым или исчезает на горизонте (например, ландшафт). Взгляните на шкалу ахроматических цветов ниже и используйте её как образец в последующих начинаниях.
Насыщенность вашей работы в разы важнее самих цветов. Если градация цвета не доработана или её нет вообще, то, несмотря на то, насколько правильно бы вы не построили свою композицию, подобрали цвет, свет и тени — всё это не будет иметь никакого значения.
Обратите внимание на пример ниже. Заметьте, что каждый предмет имеет свой ахроматический цвет, и что каждый предмет вы можете чётко отличить от другого. Градация помогает определить освещение, как целой композиции, так и отношения каждого конкретного предмета к другому. Это так же является вспомогательным элементом по обращению зрительского внимания на центр композиции. Как только вы разберётесь с насыщенностью вашей работы в ахроматическом виде, можете приступать к работе с хроматическими цветами.
Вот ещё несколько работ, изучите их. Они послужат вам хорошим примером градации при создании собственной композиции.
4. Цвет
Как и освещение, цвет в вашей композиции зависит от множества различных факторов: времени суток, времён года, местонахождения и т.д. Определиться с цветовой схемой вашей композиции нужно на ранней стадии, с самого начала, если это возможно. Но помните, что в процессе создания всегда что-то будет меняться и ваша цветовая палитра – не исключение. Если что-то уже выглядит хорошо в одном месте, не значит, что так будет всегда. Не бойтесь смешивать или менять что-то – возможно это пригодится ещё больше для создания вашей работы. Имейте в виду, что очень легко и переборщить с цветом.
Чтобы выбрать цветовую палитру, нужно опираться на такие значения, как время суток, погоду, время года и учитывать находитесь ли вы на чужой планете или космосе. Ещё есть уйма разных вещей, исходя из которых, вы бы могли определиться со своей цветовой гаммой, поэтому лучше определиться и разобраться с ними как можно раньше, чтобы избежать головной боли на последних стадиях работы.
Цвет, который вы выберете, должен соответствовать тем эмоциям и настроению, которое вы хотите передать зрителю. Если ваша работа излучает веселье или движение, то яркие и насыщенные цвета подойдут лучше других. Если же вы изображаете некую замкнутость или отсутствие позитива и хорошего настроения – выигрышными будут более тёмные тона и менее насыщенными по цветовой гамме, однако композиционный центр должен выделяться от других мрачных частей вашего рисунка. Может существовать множество разных вариаций цвета, которые бы подошли для вашего рисунка, но нужно выбрать, что выглядит лучше всего.
Ниже несколько примеров того, как эффективно цвет помогает передать повествование идеи, эмоции или настроение:
На рисунке «Голем», художник изобразил сильное и насыщенное свечение вокруг центральной точки композиции, что даёт ясно понять, куда должна быть направлена большая часть внимания. Цвет, которым «пропитаны» игрушки, придаёт композиции частицу тайны и иллюзии. Остальные же части композиции созданы в серых и не слишком насыщенных тонах. Это помогает композиционному центру выделяться из других частей рисунка.
«Голем» магия игрушек, Рандис Альбион
На рисунке ниже мы так же видим контраст цвета, который помогает найти центр композиции. Это один из наиболее часто используемых методов, когда цвет применяется для создания хорошей композиции, потому что выглядит эффективно и драматично одновременно, сохраняя идею.
«Падение Немеротов» Роберто Роберт
В своей работе ниже, я использовал голографические экраны на посадочных площадках, которые кардинально отличаются от остальных элементов в композиции. Так как экраны являются самой насыщенной частью, можно предположить, что осмотревшись вокруг, зритель вернётся в ту самую точку, т.к. она наиболее интересная. Я так же хотел изобразить более старые научные изучения в космическом пространстве, поэтому воздержался от по-настоящему насыщенных цветов.
«Станция-4»
5. Освещение
Как и все основные элементы при создании, освещение имеет решающее значение. Даже обычный зритель знает, как выглядит реалистичное освещение, хотя и не представляет, что даёт ему эту жизнь. Невооружённым глазом человек может только сказать, удалось освещение или нет. Иногда может повезти, и у вас получится обмануть зрителя, но в большинстве случаев это может просто к чертям испортить всю вашу тяжело проделанную работу. А это то чего бы нам действительно не хотелось бы!
Итак, чтобы понять, как свет взаимодействует с окружающей средой и различными материалами, нам нужно выйти на улицу и начать изучать их. Использование фотографий для изучения не запрещается, но если тот объект, что вам нужен, находится в двух шагах от вас, то лучше возьмите его и исследуйте подробнее.
Как и цвет, освещение может отлично передать эмоции и пространство.
В очередной раз, на изображении ниже, можно увидеть, как сильное освещение указывает на центр композиции. Затемнённый первый план создаёт глубокое пространство, что позволяет зрителю чётко увидеть главное в композиции, при этом первый план остаётся незамеченным. Этот прием помогает сразу заметить разрушенную обстановку вокруг, будто вы сами очевидец всего происходящего внутри изображения.
«Заброшенный небоскрёб» Иоан Думитрешу
Дилан Коул не исключение. В своей работе ниже он освещает как первый план, так и второй, тем самым показывая весь труд, совершённый над ними. Однако рисунок ведёт нас на задний план – к центру композиции.
В заключении
Теперь, когда мы рассмотрели все эти нюансы, думаю вам интересно, как же всё это использовать и реализовать в своей работе. Практика – будет самым верным ответом. Практикуйтесь, пока не будете иметь чёткое понимание о том, как это работает и как это использовать должным образом. Помните, что каждый усваивает по-разному и если для вас это будет нелегко в первое время – не расстраивайтесь и не останавливайтесь на неудаче. Через некоторое время вы заметите, что научились создавать вещи, которые раньше не могли.
Спасибо, что нашли время для этой статьи. Я очень надеюсь, что вам она послужит непростым набором слов, и вы действительно вынесете из этого всего что-то полезное. Просто помните, что любой великий художник начинал с нуля и вложил в свой прогресс огромное количество времени и усилий. Продолжайте целеустремлённо развиваться в правильном направлении, и вскоре вы станете асом своего дела.
