Цифровая живопись не так проста, как кажется. На первый взгляд: просто установите необходимые программы и все, абсолютно любые инструменты и цвета в вашем распоряжении, и у вас даже нет необходимости что-либо смешивать для получения нужных оттенков.
Для тех, кто переходит с традиционной живописи в цифровую все предельно просто – находим аналоги любимых инструментов и приступаем. Если же вы новичок в обоих типах живописи, то это начала сущего кошмара, который вы даже не можете себе представить.
Хитрость Photoshop заключается в кажущейся простоте: вот тебе набор кистей, вот все цвета, ластик, а вот это команда «Отменить». Вы начинаете рисовать – поначалу выходит не очень, и поэтому вы начинаете искать другие инструменты, чтобы как-то улучшить ситуацию. И вы только посмотрите, сколько же тут инструментов! Вы пробуете все, один за другим, и происходит волшебство.
Но это «волшебство» означает, что вы позволяете Photoshop рисовать за вас. У Вас нет никакого контроля над происходящим, но это выглядит лучше, чем то, что вы когда-либо нарисуете (по крайне мере, вы в это верите). Вы делаете это снова и снова, создавая много однообразных рисунков в надежде, что в один прекрасный день они превратятся в шедевры.
Профессиональные художники, которыми вы восхищаетесь, используют Photoshop для того, чтобы воплощать свои идеи в жизнь. Но они используют его как инструмент, а не машину для производства произведений искусства. В чем разница?
- Профессионал представляет себе эффект, и воплощает ее при помощи программы
- Начинающий просто делает что-то в программе, и если результат его удовлетворяет, он оставляет этот эффект
Если это второй вариант кажется знакомым, то продолжайте читать. В этой статье я покажу вам 10 основных ошибок, которые совершают новички, для того, чтобы вы начали воспринимать Photoshop, как художник. При помощи этих 10-ти простых советов, вы поймете свои ошибки, которые могли мешать вашему прогрессу в течение долгого времени!
Примечание: Проблемы, которые я описываю, встречаются, когда художник достигает эффекта не специально для реалистичного стиля. Это не ошибки, если вы именно это и планировали сделать.
1. Неправильный размер холста
Начало работы не требует особых усилий. Выбираем File > New, или, если вы более продвинутый, используем контекстное Control—N. Это так просто, что многое на данном этапе упускается из виду.
В этом вопросе есть сразу три возможных ошибки
1) Слишком маленький холст
Точно так же, как все предметы состоят из атомов, каждый цифровой рисунок состоит из пикселей. Это вы уж наверняка знаете. Но насколько подробную вы должны создавать картину? 200х200? 400х1000? 9999х9999?
Общая ошибка новичков заключается в использовании размера холста соответственно размеру вашего экрана. Проблема в том, что вы никогда не знаете, какого размера будет экран у тех, кто будет смотреть ваши работы!
Давайте предположим, что ваша картина выглядит на экране, как в примере 1. Высота максимально удобная для вас, чтобы не нужно было прокручивать изображение. Это самое большее, что вы можете получить от вашего разрешения 1024х600. Люди с разрешением 1280х720 (2) и 1366х768 (3) тоже не могут ни на что жаловаться. Но посмотрите, что происходит, если у пользователей разрешение больше 1920х1080 (4) и 1920х1200 (5). Постепенно, картина занимает все меньше и меньше места на экране. Для этих пользователей, вы не использовали все пространство, которое могли.
И это вопрос не только «белого пространства» вокруг вашей картины. «Большее разрешение» не всегда означает «большой экран». На вашем смартфоне экран может содержать больше пикселей на своем компактном экране, чем на вашем компьютере! Только посмотри:
- Один размер, разное разрешение
- Разный размер, одно и тоже разрешение
Что это означает? Для других, кто будет смотреть на вашу картину, будут видеть это:
Но размер влияет не только на это. Чем больше разрешение, тем больше пикселей в нем будет. В меньшем разрешении может занять 20 пикселей, в то время как в большем он может состоять из 20 000 пикселей. Представьте себе, сколько деталей вы сможете изобразить на таком пространстве!
Есть хороший трюк: когда вы рисуете что-то маленькое в большом разрешении, то независимо от того насколько небрежно все выглядит вблизи, ест шанс, что на расстоянии (при уменьшении) все будет выглядеть гладко. Попробуйте это!
Большое разрешение позволяет увеличивать и разглядывать изображение в мельчайших деталях
2. Слишком большой холст
Значит ли это, что вы всегда должны использовать огромное разрешение, чтобы у вас было больше свободы? Теоретически, да. Но на практике, это не всегда необходимо, а зачастую и невозможно.
Чем больше разрешение, тем больше у вас пикселей. Чем больше пикселей, тем сложнее вашему компьютеру это обрабатывать. Особенно когда дело доходит до Слоев с переменным Flow. Это основной аргумент против, Вам необходим мощный компьютер, чтобы было комфортно использовать большее разрешение.
Следующий пункт: большое разрешение предназначено для высокой детализации. Вопреки распространенному заблуждению новичков, не каждая картина должна быть нарисована подробно. Даже если вы хотите, чтобы картина выглядела реалистично, вы спокойно можете игнорировать большую часть информации. Ведь то, как мы на самом деле то, видим, не совпадает с фотографией!
Использование большего, чем необходимо, разрешения может быть крайне заманчивым. Это позволяет добавить некоторые детали то тут, то там. И когда вы начинаете это делать, обратного пути нет. Есть много уровней детализации. Но нужно их использовать по одному. Если вы хотите сделать быстрый шаблон меха, то нет необходимости тратить часы на глаза и нос – это только сделает ваш рисунок незаконченным и разнобойным.
3. Слишком большой финальный размер
Допустим, вы нашли идеальное разрешение для вашей картины. Оно не слишком большое, ни слишком маленькое – идеально подходит для вашего уровня детализации, который вы хотите достичь. Здесь возможна другая ошибка. Это разрешение рассчитано на финальный размер работы. Может быть, вам было необходимо много пикселей, чтобы подробно нарисовать глаза, но чтобы эти детали были видны и на расстоянии тоже.
Зачем позволять кому-то видеть эти неопрятные детали…
если можно заставить их видеть только то, что вы хотите, чтобы они видели?
Перед тем, как сохранить конечный вариант файла, необходимо изменить размер. Я не смогу сказать вам наиболее оптимальное разрешение, потому что универсального ответа в этом вопросе нет. Но есть правило: чем более детален рисунок, тем меньше он потеряет, если будет представлен в высоком разрешении. Более грубая «набросочная» живопись, будет лучше смотреться в уменьшенной версии.
И еще одно: при изменении размера изображения необходимо следить за тем, какой алгоритм сжатия лучше работает в вашем случае. Некоторые из них огрубляют рисунок, что может быть желательным или не желательным эффектом.
2.Начинать с белым фоном
Это может показаться странным – что не так с белым задним фоном? Он.. нейтрален, верно? Он выглядит точно как белый лист бумаги.
Проблема в том, что нет «нейтрального» цвета. Определение «прозрачный» будет ближе к истине, но его невозможно покрасить. Цвет – это цвет. Когда два цвета взаимодействуют, перед нами предстает результат данного действия. Для белого цвета + цвет А, это соотношение: «цвет А – темный». Не важно, какого было ваше намерение, вы начнете рисование с темного цвета, потому что вы используете светлый фон. Абсолютно все выглядит темным по сравнению с ним.
Один и тот же оттенок кажется темнее или светлее в зависимости от фона
В традиционном искусстве мы используем белый фон, потому что технически его проще сделать темным, чем наоборот. Но в цифровом искусстве для этого нет никаких причин. На самом деле, вы могли бы начать рисовать на черном фоне, но это такая же плохая идея, как и белый лист. На практике, наиболее «нейтральный цвет» — 50% светло-серый (#808080).
Почему? Цвет фона изменяет то, как вы воспринимаете другие цвета. На белом фоне темные оттенки выглядят слишком темно, так что вы будете стараться их избегать. На черном фоне будет происходить то же самое, но со светлыми оттенками. В обоих случаях, в результате у вас будет слабый контраст, и вы это заметите, только когда попытаетесь добавить какой-то другой фон. Вот вам доказательство:
Я начал рисовать эту картину на слишком темном фоне, и когда я хотел добавить светлый фон, он казался мне просто ослепительным!
Опытные художники могут начинать свой рисунок с любым фоном или цветом, и она выйдет превосходной, но если вы не уверены в своих знаниях теории цвета, то всегда начинайте с чего-то нейтрального, не слишком темного, не слишком яркого.
3.Избегание сильного контраста
Конечно, временами ваше восприятие светлых и темных оттенков может быть обмануто плохим качеством экрана. Если вы пользуетесь ноутбуком, то наверняка заметили, как меняется контраст, если смотреть на рисунок под углом. Как же достичь необходимого контраста, независимо от того, каким экраном вы пользуетесь?
Даже если у вас отличный экран, после того как вы концентрируетесь на рисунке довольно долго, ваше восприятие притупляется. Если вы меняете оттенки понемногу, шаг за шагом, то контраст может показаться лучшим, только потому, что он выглядит лучше, тем то, что было пять шагов назад. Объект ниже может смотреться вполне мило…
…. ровно до того момента, пока вы не сравните его с вариантом более сильного контраста. И кто знает, может быть, если вы будете сравнивать варианты контрастов, то ощущение контраста снизится автоматически?
В Photoshopесть инструмент, который может помочь в этой ситуации. Это называется Levels, и он показывает на гистограмме, сколько каждой тени есть на изображении. Вы можете открыть это окно перейдя по Image > Adjustments > Levelsили используя команду Control—L.
Как это работает? Взгляните на эти четыре критерия:
- Примерно равное количество белого, черного и полутонов
- Только черные и темные полутона
- Только белые и светлые полутона
- Только черный и белый, полутонов нет
Вы можете увидеть это на гистограмме?
Вы можете изменять уровни перетаскивая ползунки. При уменьшении общего количества теней, вы можете размещать их в правильном месте гистограммы.
Гистограмма показывает, что на нашем объекте ест много полутонов, но отсутствуют темные и светлые области. Независимо от того, что мы видим, компьютер знает правду! И хотя нет определенного шаблона по работе с уровнями (все зависит от индивидуального освещения) полное отсутствие черного и белого является плохим знаком.
Просто посмотрите, что происходит, когда вы перемещаете ползунки к середине!
Контраст изменился в лучшую сторону, но плавность переходов от этого пострадала, это потому что у вас до сих пор мало полутонов. Но это не сложно исправить вручную!
Есть ли способ, изначально использовать правильные оттенки? Да, и это на самом деле займет меньше времени, чем исправление! Решение заключается в меньшем использовании оттенков – один темный, один светлый, средний тон, и немного полутонов белого и черного.
Чтобы воплотить это на практике, прежде чем начать свою картину спланируйте свое освещение на сфере:
- Нарисуйте круг и заполните его темную сторону тенью (черный не рекомендуется).
- Добавьте средний тон
- Добавьте светлые тени – блики (белый не рекомендуется).
- Добавьте один или два полутона между ними
- Добавьте щепотку черного и белого
Вы видите, что все линии отобразились на гистограмме? Когда мы их объединяем, это отображается на гистограмме. Используйте эту сферу, как совокупность образцов для вашего объекта, заполняя этими оттенками ту же тень, средний тон, светлый тон, полутона, темные щели, блики. Затем вы можете все это смешать!
Если вы смешаете цвета на сфере, то получите действительно хорошую гистограмму с большим количеством полутонов
И последняя вещь. Если сравнить эти две головы еще раз, одну нарисованную изначально правильно и исправленную, то вы заметите разницу. Вот почему повышение контрастности не могут исправить сцену. Необходимо учитывать, что у каждого материала диапазон оттенков различается. Например, темная часть белой поверхности будет намного светлее самой темной части черной поверхности. Это означает, что вы должны подготовить столько сфер, сколько материалов у вас используется в сцене.
Помните: светлый объект, затемненный темными тенями это так же неправильно, как темный объект, затемненный светлыми тенями.
4.Использование слишком сложных кистей и слишком больших штрихов
Ели сравнивать традиционные кисти с кистями в Photoshop, то вы удивитесь тому, насколько они различны, и при этом имеют одинаковое название. Кроме того, классические кисти позволяют вам наносить более или менее хаотичные мазки, в то время как в цифре, вы можете создавать их самостоятельно и рисовать с их помощью произведения искусства.
И здесь есть загвоздка. Если они создают что-то сами по себе, то вы теряете контроль. Профессиональные художники большую часть времени наносят простые мазки, используя более сложные кисти время от времени. Использование сложных кистей все время не только делает вас ленивым, но также останавливает ваше обучение, поскольку вам не нужно самим достигать нужного эффекта, и для обучения этому нет необходимости.
Когда вы начинаете свое приключение с цифровым рисованием, это естественно, что вы ищете способы прогрессировать так быстро, насколько это возможно. Вы хотите получить результаты здесь и сейчас. Пользовательские кисти – ответ на это. Вы хотите мех – вот кисть меха; Вы хотите чешую – вот кисть чешуи. Не можете что-то нарисовать – загрузите инструмент, который может.
Пользовательские кисти не плохи – это на самом деле очень полезная штука. Проблема возникает, если вы используете их как основу своего «мастерства». Если бы вы на самом деле потратили время, пытаясь понять, как быстро рисовать мех, вы бы поняли, что для этого необязательно рисовать одиночные волоски. Вы бы узнали, что виденье нашего сознания часто несовместимы с реальностью. Вы бы узнали, как выглядит и научились бы создавать то, что вы видите, а не то, что вы думаете, вы видите.
Вместо этого вы тратите полчаса на рисование отдельных волосков и поиск кисти, которые будут делать это за вас. Вы будете считать, что вы счастливы и готовы двигаться дальше. К хорошему быстро привыкаешь, и вы прекращаете учиться вообще – и скачали бы все трюки, если бы это было возможно.
Но как же традиционные художники это преодолевают? В действительности, они не имеют такое разнообразие кистей. Как они рисуют мех? Ответ прост, точно также, как если бы у Вас не было кистей. Если вы хотите преодолеть это проклятье новичка, не используйте сложные кисти некоторое время. Придерживайтесь простого набора, и пытайтесь узнать, как сделать с помощью него лучшее. Не ищите заготовки, когда что-то трудно получается. Проходя через эти трудности, вы получаете бесценный опыт за место дешевых трюков.
Здесь не использовалась кисть «мех»
Слишком резкие переходы
Еще одна распространенная ошибка, связанная с использованием кистей — слишком крупные мазки. Это опять же обусловлено нетерпением. Правило, что 80% работы занимает 20% времени затраченного на него, а значит, вы должны тратить 80% рабочего времени для того, чтобы довести Ваши работы до ума. То есть если вы создали эскиз, базу, плоские цвета и простые тени в течение двух часов, то у вас еще есть 8 часов на завершение работы. Кроме того, в течение этих восьми часов вы увидите меньше успехов, чем во время первых двух. Как же это обескураживает?
Вы можете часто это видеть в поэтапном рисовании некоторых художников, которое они выкладывают на всеобщее обозрение. Первые шаги огромны – объект создается из ничего. А потом, прогресс замедляется. Вы можете практически не заметить разницы между последними несколькими этапами, различия очень тонкие, но, вероятно, на них потребовалось гораздо больше времени, чем на все предыдущие!
На каком этапе остановились бы вы?
Здесь кроется проблема. Когда картина почти закончена, вы хотите ее завершить и посмотреть, что уже сделано. Но на самом деле, именно в этот момент вы должны действительно начать! Я помню, как читал комментарий под одним из таких процессов рисования: «я бы остановился на четвертом шаге [из 10]. И это разница между новичком и профессионалом! Другой частью этого же правила говорит о том, что этих долгих 20% кроется эффективность последующих 80% работы.
Решение простое: никогда не заканчивайте свою работу с грубыми большими мазками (если это не скоростное рисование). Они актуальны только для первоначальных 20% времени. Используйте их, чтобы набрасывать формы, определять освещение, добавлять большие куски цвета. А потом, постепенно переходите к меньшим размерам, приближать, очищать, добавлять детали. В дальнейшем вы увидите, когда закончите рисунок, что вы работаете очень маленькой кистью, над очень крупным планом. В общем, чем больше пространства вы проработаете кистью (и больше измените его, например, немного изменяя яркость или оттенок каждого маленького мазка), тем более изысканной получится работа.
Это светлая сторона этого правила. Оставшиеся 80% работы не так влияют на конечный результат, поэтому нет необходимости так на нем фокусироваться. Начинайте ваши работы быстро и свободно. Помните: не каждая картина должна быть закончена только потому, что вы ее начали. Отбросив все то, что вас не зацепило, вы сэкономите себе в четыре раза больше времени, которое бы потратили впустую.
5.Использование слишком большого количества цветов
Традиционные художники имеют не такое большое разнообразие цветов. Они учатся создавать их, смешивая, чтобы получить необходимый им цвет. Это неудобство на самом деле – благословение. У них нет другого выбора, кроме как изучить теорию цвета. Вы, как начинающих цифровой художник, обладаете всем мыслимым набором цветов и оттенков. И это проклятье!
Мы не понимаем цвета интуитивно. В повседневной жизни у нас нет в этом необходимости. Но как художник, вы должны полностью изменить свою точку зрения. Вы не можете больше полагаться на свою интуицию, потому что в этом деле она плохо работает. Вы должны перестать думать о цветах так, как думали раньше, и понять концепцию оттенка (Hue), насыщенности (Saturation), яркости( Brightness) и величины (Value).
Цвета не существуют сами по себе. Они основаны на отношениях. Например, если вы хотите, чтобы цвет был ярче, вы можете увеличить его яркость, или уменьшить яркость фона. Красный, по базовому считается теплым цветом, но он становится теплым или холодным в зависимости от соседних цветов. Даже насыщенность меняется в зависимости от окружения!
Даже оттенок цвета может измениться в зависимости от окружающих цветов. И это один из ключевых моментов живописи, а не только дизайна, как многие думают!
Вначале все заполняют эскизы целым набором случайных цветов. Они выбирают синий, затем добавляют зеленый, без каких либо подсказок они добавляют целое собрание тысяч других цветов с синеватым и зеленоватым оттенком, но ведь каждый цвет обладает определенной силой!
Как новичок видит цвета:
- Голубые
- Грязно голубые
- Серые
- Черные
Оттенков огромное количество. Вам только нужно знать, откуда они берутся и что означают. Давайте проследим выбор цвета с точки зрения профессионала:
- Ненасыщенный синий
- Насыщенный синий
- Яркий синий
- Темный синий
На первый взгляд сложно? Возможно, но это не повод, чтобы это игнорировать! Если совсем теряетесь, то можете первое время придерживаться серых оттенков. Изучить проблему освещения, затемнения и смешивания, и тогда у вас будет прочная основа для будущих работ. Другие цвета (или скорее: оттенки) являются эдакой глазурью на торте, который представляет собой ваша работа. Они могут сделать вашу работу вкуснее, но не могут быть его основой.
Никакое количество глазури не сможет сделать плохой торт хорошим!
